空间雕塑家诺古奇

　　埃德温·希斯考特(Edwin Heathcote) 文

　　EAST MEETS WEST IN THE NORTH

　　在诺古奇的作品中，西方的抽象和东方的冥想风格实现了完美的统一

　　在给雕塑家加特森·鲍格勒姆(Gutzon Borglum)当学徒时，伊萨姆·诺古奇(Isamu Noguchi)被告知，他永远不会成为一名雕塑家。如今已被大多数人遗忘的鲍格勒姆曾负责雕刻罗斯摩尔山上的巨型总统头像。他对诺古奇的判断错了，从英国北部约克郡雕塑公园的一次美妙而重要的新展览上，我们可以看出他的错误有多么严重。

　　诺古奇(1904-1988)出生于洛杉矶一个日本父亲和美国母亲组成的混血家庭中，童年时期在日本度过，13岁时回到美国。在20年代早期受到鲍格勒姆冷落后，他在一家医学院呆了一段时间，随后开始了另一次更为成功的转行：进入雕塑行业。1927年，他在康斯坦丁·布朗库西(Constantin Brancusi)的巴黎工作室里度过了6个月。这段时间的效果随处可见，尤其在他的一件作品上特别明显，那就是他那展翅高飞、盘旋向上的标志性作品“Helix of the Endless”，这是他对这位罗马尼亚雕塑家敬意的一种表达。

　　如果说这件作品带有太多布朗库西气息的话，那么诺古奇的其他作品则几乎都伴有所有20世纪中期伟大雕塑家的神韵。毕加索、考尔德、摩尔、尼科尔森、塞拉——每个人的特点似乎都多少有所体现，但却是似是而非的，而诺古奇的作品本身则展示了一种罕见的连贯性。

　　颇为震撼的当代风格

　　或许可以说，在当下作为设计师的诺古奇要比作为艺术家的诺古奇更加知名。人们如此熟悉他的作品，以至于它们几乎成了陈词滥调。他的杰作——Akari灯（此时正优雅地悬挂在展览接待处）的图像早已经泛滥成灾，因为学生的床头都摆放着这款设计的廉价盗版。

　　这种灯是他用手工裁剪的纸张和竹子为一家日本工艺品公司设计的。他设计的玻璃矮茶几最初源自相互锁定形式的雕塑作品，如今已经成为各公司休息室里最为常见的摆设。而他受折纸术启发而设计的棱型桌则让人想起无数有潜力的年轻设计师的作品。

　　但从此次展览整体来看，在所有20世纪艺术家的作品中，诺古奇的设计、素描、雕刻和园艺设计都是最引人注目的作品阵容之一，它们以一种看起来相当令人吃惊的当代风格，将设计师的专注融入到艺术和形式、功能和美感的平衡之中。

　　这是英国首次举办诺古奇作品的大型展览，可能也将是很长时间以来在纽约长岛和日本香川的诺古奇博物馆之外的最后一次作品展览。这是一次新发现。作为展览场地，几乎不会有地方比约克雕塑公园更合适了：毗邻半地下的雕塑画廊，草坪上屹立的雕塑让参观者可以进行各种规模的对照——从大萧条时期诺古奇用来维持生计的半身像，到一些20世纪最杰出、最富于表情的抽象主义作品。

　　引领一种日式感受

　　很多艺术家和建筑师都试图通过现代主义作品引领一种日式感受，从布鲁诺·淘特(Bruno Taut)到法兰克·劳埃德(Frank Lloyd)，从梵高到莫奈特、高兹沃思(Goldsworthy)再到贾德(Judd)都曾如此。在诺古奇的作品中，西方的抽象和东方的冥想风格实现了完美的统一。他的“Water Table”——一块厚石板上雕刻出两个装满蒸馏水的孔洞——是对原材料的一种完美沉思：石头的光滑、水面紧绷绷的黏性、细腻的倒影以及它们各自与外部光线和飘逸的云朵之间的融为一体等。

　　其他作品似乎将静止不动的石板当作了风景。在一些作品中，黑色的玄武岩和花岗岩恢复了自然的状态，粗糙而坚硬，然后又自然融入平静闪光的水面。这其中有一种米开朗基罗式的风格，即试图呈现原材料的风貌，一种让石头本身尽善尽美的柏拉图式概念，一种原生态的想法，即多少有点想让材料回归本身。

　　诺古奇也热衷于将其理念应用到园艺设计中。由于预感到20世纪后期向大地艺术发展的趋势，诺古奇将园艺设计视为一种容易接触到的公共艺术形式，这方面的代表作品包括巴黎的“Unesco Garden”以及他在设计当代艺术风格的运动场和园林方面一些失败了但却令人着迷的尝试，其中就包括在纽约的一次尝试，但后来被纽约杰出的现代主义规划师罗伯特·摩西(Robert Moses)所否定。虽然诺古奇的雕塑充满禅宗花园中的石头那样的沉思力量，但他的园艺设计却与日本的传统相去甚远。这些设计通常是为城市中的企业空间考虑的，也较为成功。比如他在纽约Lever House办公楼进行的设计，便是对其老主顾戈登·邦夏(Gordon Bunshaft)出色的玻璃状现代主义风格基石的补充。

　　现代主义的拙劣模仿

　　此次展览的一个惊喜在于其背景设计：素描、油画、照片和背景本身组成了一批绝妙的藏品。 诺古奇将背景设计称为“空间的雕塑”，而且，虽然这些设计偶尔会以“亚毕加索”的主题变形为现代主义的拙劣模仿，但如果完成得好，这些令人心动的设计可以为表演对象提供让人痴迷的对照物，从约翰·吉尔德(John Gielgud)1955年出演《李尔王》的照片中我们就可以看出这一点。

　　法兰克·扎帕(Frank Zappa)曾经写道，撰写音乐方面的文章就像为建筑起舞。这不像他或许会加以否定的那样合适，正如诺古奇在此次展览中表现出来的那样。诺古奇成了玛撒·格雷厄姆(Martha Graham)和埃里克·马丁(Erick Martin)的朋友，他那充满动感和韵律的雕塑作品无疑是现代舞发展过程中的一个背景性的存在。

　　如果说此次展览中有什么不完全成功之处的话，那就是展览设计和更大范围的展览活动之间的整合。对于最先预示到艺术、设计和雕塑之间游离空间的这位20世纪艺术家来说有讽刺意味的是，他更多的流行作品已经被拿到另外一个单独的展览中去了。此举意在将诺古奇的作品置于其同时期的设计背景下，但这样一来作品却不能光芒四射了。

　　“就我来说，雕塑的本质在于对空间的感知，在于我们存在的统一体。”诺古奇说。此次展览揭示了设计、建筑、园艺和空间的结合点。它展示了一个非凡的预知和范围，是一个有关艺术家的最好的展览。